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Ciba Arte Studio

donde tus pinceladas tienen ub concepto vanguardista.

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viernes, 9 de noviembre de 2012

¿Que es el arte?


El arte es el uso de la habilidad y la imaginación, para crear objetos, experiencias, melodías o entornos con el fin de lograr el placer estético en el observador. Se dice tradicionalmente que el arte alimenta el alma, y quienes realizan esta afirmación no se equivocan. Al ver una obra de arte, uno se siente conmovido por ella, y puede llegar a sentir que se está transportando a otros lugares y tiempos, reales o imaginarios; el arte provoca sobrecogimiento. Se dice que la capacidad de distinguir lo hermoso de lo feo es una habilidad humana innata, pero la verdad es que los valores estéticos cambian de cultura en cultura, y algunos pensadores se han referido a la definición del arte como uno de los problemas más grandes de la filosofía; por lo mismo el arte y su percepción siempre serán subjetivos.
Desde la edad clásica y mucho antes, se viene practicando el arte en sus diversas modalidades y expresiones. Ya los primeros humanos con inteligencia, dibujaban en las cavernas su interpretación de la realidad de manera tanto externa (tal como se presenta a los sentidos) como interna (sus apreciaciones subjetivas de la realidad, usando símbolos y representaciones abstractas); incluso investigaciones modernas afirman que el origen de arte es entópico, esto es, deriva de experiencias subjetivas o internas de los chamanes de la época que volcaron de manera gráfica sus percepciones. Desde esos comienzos, hasta el día de hoy, el arte trata de reflejar, lo que somos y lo que estamos viviendo.
En los comienzos de la historia del arte, es decir a partir de los recuentos escritos en donde está presente el concepto, se entendía por arte a una determinada habilidad, por lo general manual o musical, bien desarrollada en una persona. El concepto luego evoluciona marcadamente en el período romántico, donde se le da una cualidad "metafísica" a la actividad artística, y por lo mismo se complica su definición, dejándola en manos de la filosofía, la religión y la ciencia. Una buena definición contemporánea bastante equilibrada en términos históricos sobre el concepto, podría ser la de un producto de la actividad humana, capaz de estimular los sentidos y la mente, transmitiendo emociones e ideas. De todas maneras el tema es sumamente subjetivo, y da para interminables conclusiones.
Cada época de la historia, por la misma razón, a cultivado un tipo de arte. Los clásicos, era rigurosos con las formas humanas. El hombre era el centro. Luego se fueron desarrollando lo románico, lo bizantino, el renacimiento, el barroco, el realismo, el surrealismo, etc. Son muchos los estilos de arte que se han desarrollado, pero cada uno de ellos, ha maravillado y tocado a sus contemporáneos, justamente porque el arte desde cierto punto de vista tiene un valor dual: por una parte representa e identifica un estado temporal o específico de lo que viven la sociedad y las personas, y por otra parte el arte tiene un valor universal rescatando la inmutable naturaleza humana, sus sueños, esperanzas, alegrías y tristezas.
Con el pasar de los siglos, se fue depurando el concepto de arte. Sobretodo la visión que se tenía, en cuanto a su exposición y el valor comercial que se podía llegar a explotar y ya para fines del siglo XVII, se comenzó a conceptuar la idea de exponer masivamente las obras de arte, con un objetivo recreacional y, al mismo tiempo, comercial. Al mismo tiempo, surgieron las primeras escuelas serias y masificadas, para que los interesados y sobretodo, dotados, pudieran aprender las técnicas necesarias como para convertirse en verdaderos maestros de su oficio.
Entre las disciplinas consideradas actualmente como arte, están: la arquitectura, las manualidades, la danza, la decoración, el diseño, el dibujo, la pintura, la moda, el cine, la literatura, la música (con todos sus géneros y expresiones), la fotografía, la poesía, la escultura y el teatro. La clasificación de todas las modalidades de esta actividad humana en nuestros días es motivo de constantes debates, pero no podría ser menos para un tema tan cautivante y elusivo como el arte.

Las Señoritas de Avignon – Pablo Picasso. 1906-1907



Esta obra ha sido tomada como uno de los más grandes paradigmas que quebró con la concepción del Arte hasta ese momento y dio lugar al desarrollo del Arte del siglo XX. Si bien la obra fue creada entre los años 1906 y 1907 se expuso recién en 1916 y su título fue dado en 1920.
Éste era, sin duda, el principio para Picasso y para los muchos de otros artistas que exhibieron este estilo del cubismo, uno de los movimientos más importantes del arte del siglo XX.
La influencia de obras primitivas, prerromanas está muy clara en las caras de las mujeres, que se sitúan en la izquierda del cuadro. La referencia también se hace a la escultura “negra”. Este arte ibérico influencia a las dos mujeres situadas en el centro.

Niña delante de la Chimenea – Balthus 1955



La pintura de Balthus es una experiencia visual del deseo, el silencio y la pureza. Es una anotación intimista sobre la belleza y sus riesgos. Su obra es un pacto luminoso con el silencio y con los deseos ocultos que de manera comprensible nos pierden. Transmitir que la belleza y la inocencia encierran peligros insospechados fue la gran lección de la obra de Balthus
Niña delante de la Chimenea es un claro ejemplo de ello. En una sala desierta aparece una niña observando su desnudez en un espejo. Todo lo que le rodea es una luz erótica, inquieta, que envuelve la escultural monumentalidad de la modelo, que parece tallada en mármol. Pese a la frialdad de la sala, la luz lo tiñe todo de calidez y es esa luz, junto a la postura de la niña, la que nos confunde con sus matices eróticos.

Guernica. Pablo Picasso, 1937


Guernica, PicassoGuernica. Pablo Picasso, 1937

ATAQUE A GUERNICA

Al amparo de la oscuridad, el 26 de abril de 1937,aviones nazis atacaron la ciudad de Guernica. Guernica era una pequeña ciudad en el corazón de la región vasca de España. La intención de este ataque nazi era por una parte poner a prueba nuevas técnicas de guerra y al mismo tiempo apoyar al fascista Franco.

Esta fue la primera vez que se efectuaba unadevastación a gran escala desde el aire. Esta técnica de guerra permitían a los pilotos la desconexión total de sus víctimas. Esto animó a los aviones no sólo para bombardear objetivos militares, sino todos los edificios de la ciudad, y a dar la vuelta una y otra vez para matar a tiros a todas las personas que pudieron encontrar, militares y civiles.

CREACIÓN DEL GUERNICA

En 1937 Picasso tenía el encargo de pintar unmural gigante para la exposición española en la Feria Mundial que se celebraría en París. Para ello el pintor barajaba ideas recurrentes a lo largo de su carrera, tales como un toro, representación de sí mismo y de España. Cuando se enteró del ataque a Guernica, a pesar de que despreciaba el arte político, Picasso no pudo evitar a hacer unadeclaración contundente en contra de la guerra y de Franco, a quien despreciaba.

En tan solo tres meses Picasso creó lo que sería una de sus obras maestras, el Guernica.

Creacion del Guernica, Picasso

SIMBOLISMO DEL GUERNICA

En el Guernica no existen elementos representativos de si se trata de una escena de interior o exterior. Sin embargo, la ausencia de color no es fortuita. El horror de la violencia está reflejado en los grises y negros que componen el cuadro. La bombilla de la parte superior podría aludir a las bombas que cayeron sobre la ciudad.

Una mujer rota de dolor, sostiene a su hijo en brazos, muerto, mientras lágrimas fluyen por su cara como si fueran ojos. El dolor también se representa a través de una mujer saliendo de un edificio en llamas, con los brazos levantados y la boca abierta mientras corre totalmente envuelta en fuego. 

Guernica, Picasso: guerra

El toro, aturdido por lo que sucede mira a su alrededor, representa a España. La etapa cubista de Picasso aparece reflejada en el hecho de que múltiples perspectivas que se unen para formar una yegua, que berrea de dolor. Picasso dibuja también una paloma con un ala rota y el pico abierto, símbolo del fin de la paz, de la guerra.

Guernica, Picasso: cubismo

La figura fantasmal que aparece en escena a través de una ventana abierta con una vela en sus manos podría ser una representación de la República, desconsolada al ver lo sucedido.

Guernica, Picasso: republica

Entre todo este horror, se pueden ver atisbos de esperanza. Un hombre descuartizado, tirado en el suelo, sostiene en sus manos una estrella de cinco puntas y una flor. Además aparece unaherradura, símbolo de la suerte, y el candil encendendido que porta el fantasma.

La Muerte de un Miliciano (Robert Capa, The Falling Soldier)

La Muerte de un Miliciano (Robert Capa, The Falling Soldier) fue publicada el 12 de julio de 1937 por la revista Life con un subtítulo que rezaba:
"La cámara de Robert Capa capta un soldado español en el instante en que es alcanzado por una bala en la cabeza ante Córdoba".

Muerte de un Miliciano, Robert Capa
Loyalist Militiaman at the Moment of Death, Cerro Muriano, September 5, 1936. Robert Capa

A pesar de que esta fotografía es considerada una de las dos mejores de Robert Capa, junto con la fotografía del desembarco de Normandía en Omaha Beach, varios historiadores dudaron de suveracidad a lo largo de la historia, planteando la duda de si el soldado estaba posando para esta fotografía.

La razón principal es que existía muy poca información concreta sobre esa fotografía. Sin embargo, hoy en día se conoce perfectamente la fecha, el lugar, e incluso el nombre del soldado fotografiado: Federico Borrell García. 

Muerte de un Miliciano, detalle

Si aún quedan dudas, basta mirar el detalle de la mano izquierda del soldado mientras cae. La posición de los dedos con el puño semicerrado indica que el soldado ya estaba muerto en este punto. Sería muy difícil, aún cuando el soldado conociera este detalle, que forzara de forma consciente esta posición. Así, si el soldado estuviera posando, tendría la palma abierta y la muñeca girada para amortiguar la caída.

La muerte de Cleopatra



La muerte de Cleopatra por la mordedura de un áspid es un instante congelado múltiples veces a lo largo de la historia del arte. Hoy repasamos algunas de estas pinturas.


La muerte de Cleopatra
Jean-Baptiste (baron) Regnault
La muerte de Cleopatra, 1796-99


La muerte de Cleopatra
Alexandre Cabanel
Cleopatra probando venenos con prisioneros condenados, 1887


La muerte de Cleopatra
Thomas Francis Dicksee
Cleopatra, 1876


La muerte de Cleopatra
Reginald Arthur
La muerte de Cleopatra


La muerte de Cleopatra
Massimo Stanzione
Cleopatra


La muerte de Cleopatra
Hans Makart
La Muerte de Cleopatra


La muerte de Cleopatra
Guido Reni
Cleopatra con el aspid


La muerte de Cleopatra
Gennari Benedetto II
Muerte de Cleopatra


La muerte de Cleopatra
Delacroix
Cleopatra


La muerte de Cleopatra
Giampietrino
Muerte de Cleopatra


La muerte de Cleopatra
John Collier
La muerte de Cleopatra


La muerte de Cleopatra
Benedetto Genari
La muerte de Cleopatra

La Venus del espejo

La Venus del espejo es un tema mitológico recurrente a lo largo de la historia de la pintura. La escena presenta a la diosa Venus en una pose erótica, mirando a un espejo que sostiene el dios del amor, su hijo Cupido.

Venus del espejo-VelazquezLa Venus del espejo (óleo sobre lienzo)
Diego Velázquez, 1647-1651

La interpretación de Velázquez de este tema mitológico es muy provocadora. Velázquez presenta a la Venus tumbada en una cama, de espaldas. De la parte frontal de la Venus solo se muestra su cara, la cual aparece difuminada en elreflejo del espejo.

Se especuló que Velázquez la habría difuminadocon posterioridad para proteger la identidad de la modelo (que podría haber sido la madre de su hijo ilegítimo). Sin embargo, recientes estudios indican que el cuadro fue concebido así originalmente.

Como anécdota mencionar que el cuadro La Venus del espejo (Venus de Rokeby) sufrió un atentado en 1914 por una sufragista militante. Mary Richardson asestó 7 puñaladas al lienzoque fue atacado con un hacha corta de carnicero, siendo necesaria su posterior restauración.

Venus del espejo-Rubens
Venus del espejo (óleo sobre tabla)
Peter Paul Rubens, 1613-1614

La versión de la Venus del espejo de Rubens es una reelaboración de un lienzo de Tiziano. La diosa de la belleza también aparece de espaldas, contemplando su atractivo rostro en el espejoque pone ante sí Cupido, mientras una esclava negra peina sus dorados cabellos.

La postura de la diosa corresponde a los característicos escorzos tan admirados por el pintor flamenco, mostrando también el canon de belleza habitual en sus trabajos. En esta pintura la Venus recibe un potente foco de luz dorada procedente de la izquierda que crea un acentuado contraste con el fondo.


Venus del espejo (óleo sobre lienzo)
Tiziano, 1555

La versión de Tiziano es la primera representación conocida de esta escena mitológica. Esta obra inspiraría más adelante las obras de Rubens y Velázquez, e incluso la obra literaria La venus de las pieles (Venus im Pelz, 1870) del austriaco Leopold von Sacher-Masoch, que sería el origen del término masoquismo.

La figura de Venus, cubriéndose parte del pechocon la mano y el pubis con un rico manto de pieles bordado, se muestra de frente, reflejándose parcialmente en el espejo que sostiene un amorcillo. La luz resalta la blancura de la piel de la diosa, añadiendo un efecto atmosférico a la composición que parece difuminar los contornos.

El Juicio Final (Miguel Ángel)

La pintura de Miguel Ángel, terminada en 1541,provocó un gran escándalo y múltiples críticas violentas debido a la gran cantidad de figuras desnudas que se representaban en la escena del juicio final, especialmente las de parejas en posturas comprometidas.

Así, varios obispos determinaron que el fresco no correspondía a un recinto sagrado, y acusaron a Miguel Ángel de herejía. A pesar de las peticiones para destruir el fresco, el papa Julio III era tolerante y no se preocupó por los desnudos. A su muerte, sin embargo, se decidiría la"corrección" del fresco colocando paños de pureza a todos sus personajes

La persona que se ocupó de esta labor fue Daniele da Volterra, discípulo de Miguel Ángel, a quien, por este trabajo se colocó el sobrenombre de "Braghettone" (Pintacalzones). Miguel Ángel se enojó enormemente, no sólo por el hecho de alterar su mural, sino también porque las ropas que cubren los cuerpos se pintarían utilizando la técnica del óleo, mientras que toda la pared se encontraba pintada al fresco.


CURIOSIDADES SOBRE EL JUICIO FINAL

Como curiosidad mencionar que Biaggio de Cesana, uno de los instigadores de la destrucción del freso, tendría su castigo: En la parte inferior derecha de la escena, a la entrada de los infiernos,Miguel Ángel representó a Minos, el rey del Infierno, desnudo, con orejas de burro, una serpiente enroscada a su cuerpo y con la cara de Biaggio de Cesana:

Curiosidades: El Juicio Final

Dicen que el prelado acudió lloroso al Papa Pablo III para pedirle que ordenase a Miguel Ángel que lo retirara del mural, y que éste, con un gransentido del humor, le respondió lo siguiente:

"Querido hijo mío, si el pintor te hubiese puesto en el purgatorio, podría sacarte, pues hasta allí llega mi poder; pero estás en el infierno y me es imposible.
Nulla est redemptio."

La Última Cena de Leonardo da Vinci

Es una pintura mural situada en una pared del refectorio del convento dominicano de Santa María delle Grazie en Milán y requirió diez años de preparación por parte de Leonardo da Vinci. Fue encargado por Ludovico Sforza, duque de Milán.

Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última cena, provocando numerosas restauraciones.

Varias inundaciones acaecidas en Milán contribuyeron al deterioro de la obra. 

La incorporación de una puerta en la sala en 1652, cercenó los pies de varios personajes del mural.

En 1797 un ejercito francés utilizó la sala como establo deteriorando la obra aún más. 


En 1943 los bombardeos aliados pusieron su grano de arena en el progresivo deterioro de la obra

En 1977 se inició un programa de restauración y conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstantegran parte de la superficie original se ha perdido

La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... 


Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la derecha como se puede ver en la imagen. 

Esto es lo que cuenta Mateo Bandello, novicio del convento sobre la ejecución de La Última Cena:
"Llegaba bastante temprano, se subía al andamio y se ponía a trabajar. A veces permanecía sin soltar el pincel desde el alba hasta la caída de la tarde, pintando sin cesar y olvidándose de comer y beber. Otras veces no tocaba el pincel durante dos, tres o cuatro días, pero se pasaba varias horas delante de la obra, con los brazos cruzados, examinando y sopesando en silencio las figuras. También recuerdo que en cierta ocasión, a mediodía, cuando el sol estaba en su cenit, abandonó con premura la Corte Vecchia, donde estaba trabajando en su soberbio caballo de barro, y, sin cuidarse de buscar la sombra, vino directamente a Santa Maria delle Grazie, se encaramó al andamio, cogió el pincel, dio una o dos pinceladas y se fue".
Con respecto a las suposiciones que Dan Brown hace en su novela El Código da Vinci, la crítica de arte Elizabeth Levy nos comenta en un artículo suyo aparecido en www.zenit.org: «Brown aprovecha el rostro de suaves rasgos y la figura de un Juan imberbe del cuadro de Leonardo para presentarnos su fantástica afirmación de que se trata de una mujer. Por otra parte, si realmente San Juan fuera Mana Magdalena, hemos de preguntamos por el apóstol que falta en aquel crítico momento. El problema real es el resultado de nuestra falta de familiaridad con los "tipos". En su Tratado de la Pintura, Leonardo explica que cada personaje debe ser pintado con arreglo a su edad y condición. Un hombre sabio tiene ciertas características, una anciana otras y los niños otras. Un tipo clásico, como en muchos cuadros del Renacimiento, es el "estudiante". El favorito, el protegido o el discípulo son siempre hombres muy jóvenes, totalmente afeitados y de cabello largo, con objeto de transmitir la idea de que aún no han madurado lo suficiente como para haber encontrado' su camino. A lo largo del Renacimiento, los artistas pintaron así a San Juan: es el estudiante ideal; es el "discípulo amado", el único que permanecerá al pie de la cruz. Y lo representaron siempre como un joven imberbe, sin la fisonomía dura y resuelta del hombre. La Última Cena de Ghirlandaio o de Andrea del Castagno nos muestran al mismo dulce y joven Juan».

La Gioconda (La Mona Lisa)

Centenares de preguntas rodean el retrato más famoso de la historia. Tras medio siglo de vida, todavía siguen sugiriéndose nuevas interpretaciones sobre todos los elementos de esta obra. Habiendo recibido inevitablemente y merecidamente un reconocimiento como icono cultural, su hechizo traspasa las barreras pictóricas por alimentar todo tipo de ámbitos, ya sean el cine, la literatura o la religión.

¿Quién es ella?

Mirada de reojo, labios finos, cejas y pestañas ausentes, manos grandes, sonrisa imposible de describir... Todos estos rasgos, unidos a un paisaje extraño, lleno de sombras y colores indefinidos, son los que han despertado el interés y el ansia interpretativa de mucha gente, desde el momento que el retrato salió a la luz. Es inevitable observar o hablar de esta obra sin que aparezcan interrogantes cómo: ¿quién es esta mujer? ¿Sonríe? Y si sonríe, ¿a qué se debe? Hay quien se preguntará por qué un retrato es motivo de tanto jaleo y expectación. Seguramente, muchos sólo ven a una mujer posando, que parece sonreír tímidamente, y no encuentran razón para hacerse tantas preguntas ante una imagen que parece sencilla en cuanto a contenido. Pero si se tienen en cuenta las suposiciones y dilemas sobre la identidad de la mujer retratada, y que siempre se ha creído que Da Vinci introducía mensajes ocultos en sus obras, entre otras cosas, no es de extrañar que esta imagen cautive tan sólo con mirarla.


Posibles identidades

Por indagar más sobre la protagonista, haremos un repaso de algunas de las interpretaciones sobre quienes pueden ser esta mujer; aun así, todo son sospechas que no se han conseguido probar nunca:
  • Lisa Gherardini, dama florentina que se casó con el banquero napolitano Francesco del Giocondo; de aquí el nombre de Gioconda. El de Mona o Monna seria apócope de "Madonna", expresión en italiano que quiere decir "mi señora".
  • Quizás fue Isabella de Este, a la cual Da Vinci conoció en Milán y dibujó a lápiz para después hacer un aceite.
  • Constanza d'Avalos, duquesa de Francaville, mencionada en un poema de la época, donde se lee que Leonardo la pintó "bajo bello velo negro"
  • La teoría más llamativa es que sería el propio Leonardo con apariencia de mujer. Para llegar a esta conclusión, se analizó y se comparó con uno de sus autorretratos más famosos. Se vio, sorprendentemente, que los rasgos eran muy parecidos en las principales líneas de la cara (labios, ojos, nariz,...). La ausencia de cejas le daría una apariencia más ambigua.
  • Pero la teoría más polémica, y recientemente popularizada tras la aparición del éxito de ventas El código Da Vinci, es que representa a la misma Maria Magdalena, y por añadir más polémica, que está embarazada. La teoría se fundamenta en la posición de las manos sobre el vientre y en la simbología oculta característica de la obra de Leonardo. Además, a la Virgen María también se la denominaba Madonna.